La Martiniere

  • Ce livre est une promenade subjective dans le film Peau d'âne,écrit et réalisé par Jacques Demy et mis en musique par Michel Legrand, pour partager ce conte encore et encore avec des amis, des enfants petits et grands et des cinéphiles, pour que de nouvelles générations le découvrent.
    Il doit pouvoir se lire en piochant au hasard d'une page qui s'ouvre comme un paquet de bonbons colorés, mais aussi être parcouru de la première à la dernière ligne.
    Rosalie Varda-Demy et Emmanuel Pierrat nous convient à une promenade inédite dans un monde féerique et troublant. On peut s'arrêter sur une chanson du film, sur un texte décryptant les couleurs, un thème, une scène, un personnage, un décor, et voir la sublime princesse interprétée par Catherine Deneuve dans ses robes couleur de Lune, Soleil ou couleur du temps ; sans oublier de feuilleter le texte original en vers du conte de Charles Perrault, paru en 1694.

    Avec des citations de Catherine Deneuve, Jacques Perrin, Michel Legrand, Jim Leon (décors), Agostino Pace (costumes), Agnès Varda, Jacques Demy, bien sur, et des souvenirs de Rosalie Varda-Demy, adolescente au moment du tournage.

  • L'île de la Cité offre aux yeux du promeneur un des plus beaux joyaux du monde : Notre-Dame de Paris. Si la chronologie de la construction est difficile à établir, les auteurs invitent à redécouvrir le long travail qui a façonné la cathédrale : genèse, empilement des monuments successifs, édification lente et périlleuse...L'île de la Cité offre aux yeux du promeneur un des plus beaux joyaux du monde : Notre-Dame de Paris. Si la chronologie de la construction est difficile à établir, les auteurs invitent à redécouvrir le long travail qui a façonné la cathédrale : genèse, empilement des monuments successifs, édification lente et périlleuse...

  • Diane Arbus

    Diane Arbus

    Lorsque Diane Arbus meurt en 1971, à l'âge de quarante-huit ans, elle exerce déjà une influence significative - qui tient même de la légende - sur les passionnés de photographie, alors même qu'un nombre encore relativement limité de ses photos les plus importantes ont été publiées. La parution de Diane Arbus (publié en français par les Editions du Chêne en 1973), tout comme la rétrospective posthume du Museum of Modern Art de New York, permet au grand public de découvrir la portée et la puissance de son oeuvre. La réaction est sans précédent. La publication de cette monographie de quatre-vingts photos a été dirigée et conçue par un ami et collègue de Diane Arbus, le peintre Marvin Israel, et par sa fille, Doon Arbus. En créant ce livre, leur objectif était d'être aussi fidèle que possible aux critères utilisés par Diane Arbus pour juger sa propre oeuvre et à la manière dont elle espérait qu'on la verrait. Le livre est devenu un classique universel. Diane Arbus: une Monographie, un chef-d'oeuvre intemporel traduit en cinq langues, demeure à la base de sa réputation internationale. Près d'un demi-siècle plus tard, les photographies d'Arbus suscitent toujours la même fascination, et les mêmes controverses. Elles pénètrent au plus profond de nous-mêmes avec la force d'une rencontre personnelle et, ce faisant, elles transforment la manière dont nous voyons le monde et les gens qui nous entourent.

  • Parcourant l'histoire du cinéma français depuis l'invention des frères Lumière jusqu'aux plus récentes récompenses glanées à Cannes ou à Hollywood, cette promenade en 130 films ne rend pas seulement hommage à nos plus grands cinéastes. Jean-Luc Douin y raconte l'évolution d'un art, du muet aux révolutions numériques, l'éclosion de courants esthétiques parmi lesquels le « réalisme poétique » et la « Nouvelle Vague » qui influencèrent les cinématographies du monde entier. Il propose aussi une exploration de la manière dont le cinéma français rend compte de l'histoire de son pays, de sa culture, de ses moeurs, en même temps qu'il honore ses comédiens mythiques, ses techniciens marquants. Le cinéma français tel que le raconte cet ouvrage, c'est une palette de genres, de sensibilités, de films d'auteurs et de divertissements.

  • Depuis toujours et sous toutes les latitudes, l'être humain collectionne.

    Sont ici révélées des collections qui ne sont en général pas ouvertes au public, ou bien sont discrètes ou simplement méconnues. Elles nous conduisent au coeur du monde de l'art contemporain, des crânes, des pipes à opium, des chefs-d'oeuvre de l'art tribal ou brut, des animaux empaillés, des statues du XVIIIe siècle, du pop art, des trente glorieuses ou encore des reliquaires chrétiens.

    Si les collections y sont décrites à travers l'histoire de leur constitution et agrémentées d'anecdotes souvent savoureuses, l'ouvrage aborde aussi quelques thématiques incontournables liées à la « collectionnite » : l'espace nécessaire pour collectionner, gérer sa vie conjugale envahie par les objets, l'argent dépensé ou investi dans la collection, les motivations les plus secrètes, par quel achat tout cela a-t-il commencé, etc.

    Une vingtaine de collectionneurs (Pierre & Gilles, Pierre-Jean Chalençon, Daniel Rozensztroch...) ont accepté d'ouvrir leurs portes à Guillaume de Laubier et Emmanuel Pierrat (lui-même collectionneur), et de parler de leurs trésors. Une dizaine de professionnels internationalement reconnus (Jean-Claude Binoche, Nathalie Obadia, Olivier Picasso, Daniel Templon...), du commissaire-priseur à l'expert, du galeriste au psychiatre, permettent aussi de décrypter ce que sont ces collectionneurs d'aujourd'hui.

  • Lorsque Sebastião Salgado, l'un des plus grands photographes contemporains, porte son regard sur le monde du travail manuel, c'est tout autant pour en montrer les rudesses que pour y trouver, derrière la brutalité des conditions du monde ouvrier ou paysan, la grandeur de l'homme au travail.
    Pendant six années, il a effectué des reportages magnifiques, montrant comment le lalidévoilant une archéologie de l'ère industrielle.
    Ce gros volume de 400 pages pourvu de nombreux dépliants et accompagné d'un livret de légendes nous montre le quotidien et la dignité des travailleurs, des coupeurs de canne à sucre au Brésil et à Cuba aux mineurs du Kazakhstan, des ouvriers du tunnel sous la Manche aux constructeurs du canal du Rajasthan, des porteurs de soufre d'Indonésie aux ouvriers des usines de bicyclettes chinoises, de motocyclettes indiennes ou d'automobiles en Ukraine notamment.

    Photographe brésilien mondialement connu, un temps membre de la prestigieuse agence Magnum, Sebastião Salgado est l'un des photojournalistes les plus respectés de sa profession. Il a reçu presque tous les prix et récompenses possibles. Sa photographie en noir et blanc parvient à saisir, derrière la dureté du monde, la dignité de l'homme et la beauté de la nature.
    Après avoir longtemps pris l'homme pour sujet, il s'est reçemment tourné vers la beauté du monde avec Genesis, dont l'exposition à la MEP en 2014 a connu un immense succès.

  • Sensualité sans équivoque sous les kimonos défaits, délires et fantasmes au pays des images du monde flottant. les shunga de l'ère d'Edo (1603-1868) furent prisées de toute une société, et influencèrent jusqu'aux peintres impressionnistes. Ces tableaux érotiques exprimant la force des passions sous les masques du quotidien, avec l'humour et la réjouissante liberté propres à l'estampe japonaise, témoignent aussi d'un mode d'expression artistique porté à son sommet.

    Cet ensemble d'oeuvres de cinq grands maîtres, dont Katsushika Hokusai, est présenté par deux spécialistes japonais et imprimé dans les tons de la gravure d'époque. Un splendide hommage à un chapitre exceptionnel de l'histoire de l'art.

  • Surnommé « l'enfant terrible » de la mode, Jean Paul Gaultier est incontestablement l'un des créateurs les plus importants de ces dernières décennies. Sa mode avant-gardiste a saisi très tôt les enjeux de notre société.
    Il signe sa première collection de prêt-à-porter en 1976, puis fonde sa maison de haute couture en 1997. Curieux de toutes les cultures et contre-cultures, il s'empare de l'air du temps avec audace, proposant une esthétique multiculturelle empreinte d'humanisme : détournements, transgressions, métamorphoses, réinterprétations, métissages, il efface les frontières et revendique le droit à la différence, concevant ainsi une nouvelle manière de faire et de porter la mode. Son immense respect pour le travail manuel et l'élégance en font également un des rares couturiers capables de concilier tradition et avant-garde.

    Cet ouvrage explore d'une manière innovante et originale les liens privilégiés de ce créateur décomplexé et généreux avec la scène musicale pop-rock (Madonna, Kylie Minogue, Lady Gaga, etc.), le cinéma (Peter Greenaway, Luc Besson, Pedro Almodóvar, Jeunet et Carot) et la danse (Régine Chopinot, Angelin Preljocaj), et met en lumière ses sources d'inspiration - de la rue aux étoiles - aussi éclectiques qu'impertinentes.

  • Parmi les châteaux français de la Renaissance, Chambord occupe une place d'exception. Conçu par François Ier pour abriter les séjours de chasse de ses familiers, puis transformé en une immense résidence, Chambord est une création architecturale d'une étonnante audace.

    Avec plus d'un million de visiteurs Chambord est le château vedette du Val de Loire.

    Pour fêter les 500 ans de ce patrimoine prestigieux, Jean-Michel Turpin nous propose de découvrir un Chambord insolite et mystérieux. Son récit nous emmène à travers les siècles, illustré de photographies actuelles souvent inconnues du public.

    Tout au long de ces 192 pages partez à la découverte de ce château et de son domaine en découvrant les coulisses.

  • Ce livre est une invitation au voyage et à l'aventure, symboles de la vie et de l'oeuvre de London. Mettant en scène de multiples objets et documents, des oeuvres d'art, il donne à revivre l'un des paris les plus audacieux de l'écrivain : son voyage dans les mers du Sud entre 1907 et 1909 à bord de son voilier le Snark, en compagnie de sa femme Charmian.

  • À l'instar du Louvre, du Metropolitan Museum et du British Museum, le musée de l'Ermitage de Saint-Pétersbourg est l'un des plus grands musées du monde. Riches de quelque 3 millions d'objets d'art, ses collections présentent, à côté de nombreuses pièces de l'Antiquité, une collection d'oeuvres d'art de la période classique qui compte parmi les plus belles au monde.
    On y découvre également des chefs-d'oeuvre de l'école italienne (Vinci), hollandaise (Rambrandt), flamande (Rubens), espagnole (Goya), allemande (Cranach), anglaise (Gainsborough) ou russe (Kandinsky), mais aussi des plus grands noms de l'histoire de l'art français.
    Les deux volumes de cet ouvrage, entièrement revus et mis à jour depuis la première publication de 1995, constituent l'ouvrage de référence de la collection permanente du musée qui fête cette année son 250e anniversaire.

  • Qu'ont en commun les photographes Man Ray, Brassaï, Henri Cartier-Bresson, Robert Capa, Josef Koudelka ou encore Sebastiao Salgado ? Dans le style, rien. Dans le regard, tout. Parce qu'ils ont su saisir un instant, parce qu'ils ont bousculé les attentes, parce qu'ils ont renouvelé la photographie, chacun à sa manière s'est affirmé comme un photographe visionnaire.

    Les 75 photographes réunis dans cet ouvrage constituent une source inépuisable d'inspiration et de réflexion pour un large public. Si certaines de leurs images ont accédé au rang d'icônes, toutes témoignent des événements historiques et des valeurs de leur époque. Un ouvrage essentiel pour tous ceux qui veulent découvrir les photographes marquants du XIXe siècle à nos jours.

    Les plus grands photographes inaugure avec Les plus grands graphistes une collection de 5 titres consacrée aux créateurs visionnaires. A paraître : Les plus grands architectes (Septembre 2015), Les plus grands créateurs de mode (septembre 2015), Les plus grands artistes (2016).
    Une collection de référence pour des artistes visionnaires !


    Mary Warner Marien est professeur émérite au département des Beaux-Arts de l'université de Syracuse, dans l'État de New York. Elle donne des conférences aux États-Unis et en Europe. Elle a reçu, en 2008, un prix de la Fondation Andy Warhol pour les arts et l'écriture. Elle est l'auteur de Photography: A Cultural History et de 100 Ideas That Changed Photography, ainsi que de nombreux articles sur la photographie.

  • L'art du masque, qu'il soit lié aux rites ancestraux, au théâtre et à la danse, témoigne, dans le temps et l'espace, d'une extraordinaire variété de formes et de matériaux - bois, fourrure, tissus, fibres végétales, pierre, papier mâché. Les 100 masques inestimables mis en lumière par le musée du quai Branly sont tous au cour de la vie d'une communauté et nous dévoilent le lien puissant entre le monde des vivants et les forces magiques de l'invisible.

    « Trésors de. » est une collection de petits beaux livres à petits prix qui propose une balade iconographique au sein des prestigieuses collections des plus grands musées et institutions du monde. Après la vague des ouvrages grand format offrant « les 1 000 chefs-d'ouvre de. », « les 350 plus beaux. », voici un retour à la notion de trésors : une sélection unique réalisée en étroite concertation avec l'institution. Ainsi, chaque ouvrage est introduit par une courte préface du président ou du directeur de l'institution concernée.

  • Une boîte oubliée dans une cave, des centaines d'ektachromes que Line fait tirer par curiosité... Au fil des clichés enfin dévoilés, elle se souvient de son American dream, de sa conquête de New York et d'Hollywood, de ses revues à Las Vegas dont elle fut la reine cinquante ans avant Céline Dion.

    Dans sa maison du 174, Tropicana Avenue bientôt rebaptisée « l'ambassade de France », Line donne des fêtes d'anthologie où se pressent Ella Fitzgerald, Dean Martin, Frank Sinatra, Judy Garland, Louis Prima, Nat King Cole, Bob Hope ou Cary Grant. Qui mieux que Line Renaud pouvait se souvenir de la grande épopée de Las Vegas, évoquer des instants partagés avec Marlon Brando, Liz Taylor, Gregory Peck ou Elvis Presley...?

    Qui d'autre qu'elle pouvait nous offrir le récit de sa rencontre avec Hitchcock ou celui de ses rires avec Jane Russell ? Personne ! Line fut le témoin privilégié d'une époque. Avec son ami David LelaitHelo, elle nous la donne en partage.

    Sans nostalgie mais avec dérision et gourmandise. Cette histoire-là est un film en technicolor, une histoire folle et moderne dans un décor délicieusement vintage.

  • Ferronnier-métallier dans les Hauts-de-France, souffleur de verre en Auvergne-Rhône-Alpes, plumassier à Paris ou encore mosaïste dans les Pays de la Loire... Cet ouvrage nous entraîne sur les routes de France à la rencontre d'une vingtaine d'artisans d'art d'exception réunis par la même exigence de perfection et de dépassement de soi.

  • Cheveux longs, courts, rasés, plaqués, gominés, colorés, en crête... Les hommes d'aujourd'hui n'hésitent plus à marquer leur différence et leurs cheveux en font les frais. Mais d'où vient cette esthétique?
    On observe un renouveau des modes souvent inspiré des années 1940 à 1960 avec leurs coiffures structurées et modelées à l'image de celles des figures emblématiques de ces décennies: le mop-top des Beatles, les coupes des latin lovers italiens ou encore le look rebelle des bikers et rockabilly.

  • Largement méconnu jusqu'à une date récente, aujourd'hui encore menacé par l'ignorance et les restructurations, le patrimoine industriel français fait l'objet d'une redécouverte depuis environ vingt ans.Cet ouvrage de référence, superbement illustré par les photographies de Pierre-Olivier Deschamps, présente une trentaine de sites remarquables, sélectionnés dans toute la France, à travers un large éventail de secteurs industriels : corderie, manufacture de draps, forge, saline, arsenal, chocolaterie, centrale nucléaire, raffinerie de pétrole, atelier d'articles de luxe...
    Ces lieux, qu'ils soient encore en activité ou reconvertis en banque, musée ou habitations, sont le reflet de notre histoire commune. Ils témoignent des bouleversements, des révolutions et des avancées technologiques que connut l'industrie française du XVIe au XXe siècle. De chaque édifice, le livre aborde les dimensions architecturale, fonctionnelle et historique. Il s'attache autant aux technologies mises en oeuvre, aux finalités économiques qu'à l'humain et à l'organisation sociale qui environne ces lieux de production (unités d'habitation, salle des fêtes, théâtre...).
    Le regard posé sur ce patrimoine invite à comprendre combien les paysages urbains et ruraux ont pu être façonnés par l'industrie et continuent en permanence à l'être.

  • « Un jour de 1975, fraîchement débarqué de province à Paris, j'avais suivi un type à moustaches dans le métro. J'avais reconnu un des acteurs de romans-photo publiés dans Hara Kiri. Ce n'était pas Cavanna, juste l'imprimeur. Il m'a donné l'adresse du magazine : 10, rue des Trois Portes. » Les photographes Xavier Lambours et Arnaud Baumann ont rencontré l'équipe de Hara Kiri, futur Charlie Hebdo, en 1975. Ils ont partagé cette épopée, vécu à leurs côtés pendant plusieurs années lors de leurs débuts professionnels. Les relations avec l'équipe historique se sont poursuivies jusqu'en 2004-2005 (Gébé et Choron), pour certains jusqu'en 2014 (Wolinski, Cabu) et encore à présent avec Delfeil De Ton, Willem, Siné, Berroyer, Vuillemin, Gourio.

  • Temple de l'art lyrique, monument d'architecture, l'Opéra Garnier se veut "une synthèse de tous les arts", et c'est dans ses moindres détails qu'on le découvre ici. Les façades, le grand escalier, les salons, le grand foyer, la salle de spectacle... Les photographies de Jean-Pierre Delagarde nous entraînent dans une visite surprenante, empruntant parfois des escaliers dérobés pour accéder à des lieux inédits, insoupçonnés. Elles restituent à merveille la splendeur et la majesté de ce palais à l'audacieux programme architectural et décoratif, qui fascina dès son inauguration, en 1875. Cet ouvrage retrace également l'histoire de l'Opéra Garnier, de sa construction à nos jours, à travers les acteurs qui l'ont placé parmi les plus grands Opéras du monde?: directeurs, chorégraphes, compositeurs, interprètes, décorateurs, costumiers...

  • Ce livre porte un regard sur la création contemporaine dans le domaine des jardins.
    Sont réunis ici 13 jardins privés, méconnus, nés de la main de paysagistes de renom : Louis Benech, Fernando Caruncho, Pascal Cribier, Jinny Blom, Dominique Lafourcade, Vladimir Sitta... Qu'ils soient en France, Espagne, Belgique, Allemagne, ou encore aux Caraïbes, et aux États-Unis, en Australie et en Nouvelle-Zélande, ces jardins témoignent d'une diversité à la fois horticole et conceptuelle : ils sont nés d'une envie, celle du propriétaire des lieux ; ils sont le fruit d'une vision, celle du paysagiste.
    Pour chacun d'eux, le créateur - le paysagiste lui-même - revient sur les étapes qui ont donné vie au jardin. Plan et croquis à l'appui, il détaille les attentes du commanditaire, l'axe créatif de son projet, les nécessaires contraintes imposées par le client ou la morphologie du terrain, les imprévus de la mise en oeuvre... Un cheminement créatif superbement mis en images par les promenades photographiques d'Alain Le Toquin.

  • Architecture et jardins moghols se veut être une traversée des plus emblématiques réalisations architecturales de l'Empire moghol, dynastie qui régna sur les terres de l'Inde, du Pakistan et du Bangladesh actuels au cours des XVIe et XVIIe siècles, et dont le Fort rouge de Delhi et le fameux Taj Mahal d'Agra figurent parmi les plus parfaits exemples. Historien de l'architecture, spécialiste de l'Inde ancienne, George Michell retrace dans des textes pointus l'histoire et les particularités de ces monuments exceptionnels, de Dehli à Agra en passant par Fatehpur Sikri et Lahore. Les somptueuses photographies d'Amit Pasricha témoignant de l'incroyable pouvoir et des richesses de cet empire.

  • Dans une ambiance intimiste de boudoir, nous voguons, tels des voyeurs hédonistes, entre poses lascives, attitudes suggestives, voire étreintes irrésistibles... Les 100 ouvres incontournables (estampes, photographies et miniatures) sélectionnées avec soin par le département Japon du musée national des arts asiatiques - Guimet nous laissent imaginer les délices à venir et nous plongent dans le monde des plaisirs de la chair.

    « Trésors de. » est une collection de petits beaux livres à petits prix qui propose une balade iconographique au sein des prestigieuses collections des plus grands musées et institutions du monde. Après la vague des ouvrages grand format offrant « les 1 000 chefs-d'ouvre de. », « les 350 plus beaux. », voici un retour à la notion de trésors : une sélection unique réalisée en étroite concertation avec l'institution. Ainsi, chaque ouvrage est introduit par une courte préface du président ou du directeur de l'institution concernée.

  • Du haut de ses 324 mètres, la tour Eiffel est un symbole. Celui de Paris et de la France, bien sûr, mais aussi celui d'une modernité toujours renouvelée.

    Depuis sa naissance, la tour Eiffel est un défi technique lancé à la face du monde. Une prouesse d'architecture et d'ingénierie qui a su, au fil des révolutions technologiques, culturelles et sociales, s'adapter et rester en phase avec son époque. Expression du génie industriel français lors de sa construction, elle concentre dans sa structure métallique, aujourd'hui encore, le meilleur de ce que la France a à offrir au monde.

    La tour Eiffel, c'est aussi la Dame de fer, la Parisienne. Séductrice, apprêtée par les hommes et les femmes de la Tour, elle s'offre aux visiteurs et les conquiert depuis 130 ans. Universelle, elle rayonne à travers le Monde. Artistes et créateurs internationaux s'en emparent. Elle incarne des valeurs fortes de liberté et de paix.

    Ce sont ces deux aspects, ces deux univers - technique et universel - qui articulent le l'ouvrage. Dans la forme, le livre est réversible et s'ouvrir des deux côtés afin d'exprimer, coté recto les coulisses du monument (les prouesses techniques) et coté verso, la scène, l'icône (le monument incarné). Le livre a donc deux angles, deux sens de lecture et deux couvertures qui rendent compte graphiquement de ces regards sur la Tour.

  • Les trois oeuvres qui ont fait la notoriété du musée du Louvre, au point de devenir les emblèmes de ce musée et, même, les ambassadrices du concept d'art en général, sont toutes les trois des figures féminines, trois " icônes ", qui résument à elles seules les canons plastiques et les principes esthétiques de plusieurs civilisations successives. En effet, la Victoire de Samothrace, la Vénus de Milo et La Joconde, puisqu'il s'agit d'elles bien sûr, incarnent le musée du Louvre autant qu'elles illustrent parfaitement trois conceptions distinctes et complémentaires de l'image de la femme et de sa représentation artistique.Les collections du musée du Louvre, programmées depuis leur origine pour constituer une synthèse idéale des créations humaines, un répertoire iconographique et plastique complet des thèmes artistiques, représentent aujourd'hui le lieu idéal pour étudier les innombrables variantes qu'a pu engendrer l'image de la femme dans l'histoire de l'art. Un livre devait donc être entièrement consacré à cette image dans les collections du Louvre. Tel est l'objectif du présent ouvrage.

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